statement

(ENGL) version Française en bas de page

…” Our Knockout blow. What was before can be lost forever only with one more micro step. It often tends to get faster and I can choose to save the material reactions from its momentum or let it degenerate. Sometimes I have to brake it myself. A machine. Remaining “in between”, there is something like a missing step, I don’t get. Folding, unfolding, I am trying to regulate avoiding systematic solutions.”

Garance Arcadias. 2017

…”I multiply the perspectives by revealing the path taken by the shadows and the lights. I print the changing light in negative on the glass to reveal the impermanence of things and beings. It is the visitor’s gaze that, as it moves through the sculpture, seeks and perceives the “infra-thin” (“Infra-mince”) point between the appearance and disappearance of the sculpture or of reality

Garance Arcadias 2022

“Breaking glass is sometimes providential from a psychological and even more from an artistic point of view, for the cracks that open up in plenitude. Cracked glass brings disillusionment to the world, not out of nihilism but as a search for truth”

Bernard Thevoz “l’art comme malentendu”

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My plastic work is a research on the theme of passage and I borrow from the architectural element of the window, its material and its symbolism. I recycle and transform the glass of institutions in installations by confronting it with a different medium such as photography which opacifies it. By physically moving the windows from one institution to another, the very device of the gaze is questioned. It is by recycling and transforming the windows recovered from art presentation spaces and by showing them as art objects that I work on the theme of liminality, that in-between generated at the moment when two universes rub and implode. Rupture? yet intuition suspects an imperceptible continuity.
Through sculptures, I seek out the crack and open a breach in a sensory image between two chaotic phases. It is a question of suspending symbolic violence and deconstructing it. According to Freud, the undetermined cleavage line reveals the previously invisible structure of the crystal. I would add that the crack opens onto an infinite number of realities and it is the part of mystery and dream that they contain that gives us a chance to fully inhabit reality. 

Garance Arcadias, february 2022

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Since 2013, Garance Arcadias has been experimenting with industrial glass in collaboration with Munich Art Academy’s workshop. Arcadias brings this mundane material in combination with its tradition in art history to a field of reference in which only very few artists work, and yet one that is highly relevant to the current situation. If Munich’s Akademie der bildenden Künste, as art historian Dietmar Rübel recently claimed, is outstanding in the field of glass art, Arcadias’ work has played a key role here. Her artistic research until now has shown great quality both conceptually and in terms of craftsmanship, and she has great potential to develop in the future.

Arcadias’ art deals with the image, the object as a threshold between two states and/or modes of being. On the one hand, she does this on a real level by making the window the material she uses in her art. But she also works on the imaginary level by adding for example a special form of photographic exposure, a cyanotype, to her sculptural studies on glass as a medium.
In the annual exhibition 2017, Garance Arcadias replaced the windowpanes of the classroom at the Akademie der bildenden Künste with windowpanes from the Alte Pinakothek Museum. In this way, she combined the real threshold of the window between inside and outside and the imaginary threshold of the photograph between fiction and reality with an additional third threshold, the symbolic threshold between reception and production. By exchanging the windows of two different sites of art, the conditions of reception were placed over the production of art. The window of the museum became a window of the studio.
The latter is a common motif of art history: the window of the museum as the hidden condition of this history. In a second step, Garance Arcadias transformed this conceptual installation back to a two-dimensional medium.The windows of the Alte Pinakothek had originally been outfitted with a layer of infrared adhesive and UV protection between panes of glass that over the course of the years yellowed due to light and temperature, melting and leaving color and form irregularities in the glass. For Garance Arcadias, this painterly decay served as the model for an exposure of the window on canvas using the cyanotype technique. The real window of the room becomes an ideal window as an image.

A second strategy of the “pictorialization” of the windowpanes, Garance developed for her degree project. On the front and back walls of the class studio, Garance mounted two windows that in their appearance and size were similar to the existing studio windows. The two “blind” windows were placed at the same height as the “seeing” windows they referred to. The panes of both art windows were panes removed from the Alte Pinaktothek.
The distortions of the infrared adhesive took shape against the white wall and thus become painting. The affinity between the picture and the window in art history flashed up in this work, along with that between the picture and the mirror. The opposite windows reflect one another and the room infinitely. Since the painterly forms all showed blisters, there is a nice contrast between the strict pattern of the panes of glass and the yellow blisters that have something natural about them.
In a Vestibule, Arcadias presented a workshop situation. In her current work process, Garance Arcadias amplified the pictorial character of the windows still further by heating them and illuminating them. She presented the processual-character of her work in a frozen state that the light continued to alter.

February 2018,Professor Michael Hofstetter.

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(FR) DÉMARCHE ARTISTIQUE

Je brise le verre de mes sculptures pour interroger la perspective centrale vue au travers d’ une fenêtre depuis la renaissance. Cette perspective témoigne d’une vision androcentrique qui fige la représentation de la réalité et aliène le sujet convoité. Il existe une multitude de perspectives pour représenter la réalité. Je cherche à les multiplier en révélant le chemin des ombres et des lumières. C’est le moment du passage de l’un à l’autre que je me propose de révéler.

J’ai fait de la fenêtre mon matériau de travail et je photographie l’espace au travers des fêlures qui révèlent son verre. Comme si l’objectif de l’appareil photo était brisé, je multiplie les points de vues en générant une disparition progressive de leur représentation dans certaines zones transparentes du verre pour laisser entrevoir la réalité. J’imprime la lumière changeante en négatif sur les vitres pour révéler l’impermanence des choses et des êtres. C’est le regard du visiteur qui, en circulant au travers de la sculpture, cherche et perçoit le point « infra mince » entre l’apparition et la disparition de l’œuvre ou de la réalité.

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Mon travail plastique est une recherche sur le thème du passage et j’emprunte à l’élément architectural de la fenêtre, son matériau et sa symbolique. Je travaille principalement in situ avec des fenêtres de lieux qui accueillent de l’art. Une installation réalisée en 2017 avec les anciennes fenêtres du musée de la Alte Pinakothek de Munich reflète particulièrement ma pratique artistique. Dans la salle d’exposition de la classe du Prof. Gregor Schneider (AdbK München), j’ai vidé les fenêtres de leur verre en les ôtant de leurs châssis, laissant ainsi l’extérieur pénétrer à l’intérieur de l’espace devenu poreux. J’ai remplacé une trentaine de fenêtres par les anciennes fenêtres du musée qui étaient de mêmes dimensions, laissant une dizaine de châssis vides afin de permettre à l’air de pénétrer à l’intérieur de l’espace. Dans les projets suivants, j’ai développé cette pratique « d’emprunt physique » de l’élément architectural (fenêtre) et « d’emprunt symbolique » de la vue aperçue au travers de celles ci (image photographique) pour proposer une multiplication des points de vues matérialisés dans le verre transformé en sculpture. Je recycle donc et transforme ces vitres en sculptures qui intègrent souvent le médium de la photographie en fixant le passage de la lumière au moyen d’ impressions en négatif. Ces sculptures reflètent l’espace qui nous entoure comme un miroir en négatif alors que ce n’est qu’une duplication de la réalité dont les pleins et les vides sont inversés, aux endroits traversés ou non par la lumière. Le verre laisse entrevoir des morceaux de la réalité aux endroits laissés transparents. J’interroge ce faisant l’espace depuis lequel nous observons l’environnement extérieur mais surtout la manière dont nous observons la réalité. En confrontant ces sculptures les unes aux autres je joue avec leurs différentes perspectives pour créer des décalages et générer une instabilité visuelle et physique dans l’espace. En décrochant l’image perçue depuis l’espace d’exposition, « Remove it with the view”, c’est la représentation classique avec sa perspective centrale que j’interroge. Des vitres plates à perspective mono orientée deviennent des espaces multi prismes de capture et de réfraction de la lumière à l’échelle de leur architecture.

Liminalité. Depuis de nombreuses années, c’est  l’espace « entre deux » généré au moment où deux univers se frottent et implosent qui anime mon travail plastique. Rupture? l’intuition suspecte pourtant une imperceptible continuité. C’est le regard et son déplacement qui m’intéressent. Le regard, c’est l’idée de la multiplication des points de vue que j’ai choisi de développer plastiquement en trois dimensions grâce au médium de la photographie-sculpture. Au travers de mes œuvres, je multiplie les points de vue pour épuiser la perspective centrale et proposer une vision alternative. Je propose une disparition progressive de la représentation classique de la réalité qui est comme une cible sous l’emprise d’une focale au profit d’une représentation inframince (et parfois absente) aux perspectives multiples. Ce faisant, seule l’apparition de la lumière fixée dans le verre ou traversée par elle est recherchée. Je brise mes vitres afin de révéler leur structure. Ainsi devenues visibles, les verres accrochent une lumière différente sur les lignes des fêlures. Lorsque j’associe mentalement mon verre au filtre de l’objectif de l’appareil photographique, lui-même associé au filtre de notre inconscient, je le brise de plus belle pour rejeter les désirs et les illusions générés instinctivement par notre égo. Lorsque la perspective centrale est utilisée par l’artiste peintre ou le photographe, il faut que le spectateur adopte le point de vue qui a précédé la construction du tableau sans quoi l’image apparaît déformée. De plus, la place du peintre et du spectateur est invisible alors on pourrait dire que la perspective repose sur une équivoque. Le point de vue et le point principal sont confondus, ce qui donne à l’homme une place centrale dans la représentation de l’espace. C’est l’espace représenté par rapport à l’homme, tout comme l’appareil photographique à un seul œil prolonge les envies de l’homme de s’ approprier la réalité. J’évoque au travers certaines images déconstruites dans mes œuvres, le caractère répétitif de l’histoire humaine orchestrée par une pensée androcentrique définie par l’égo d’ hommes conquérants; une pensée elle-même opacifiée par leur propagande. Il existe une multitude de perspectives différentes à utiliser et avant cela, comme pour libérer le sujet d’une vision réductrice, il faut briser l’objectif, créant une myriade d’angles de prises de vue. Je brise symboliquement le médium pour l’enrichir de cette multiplicité de prismes. Ces filtres démultipliés ainsi que leur symbolique, tendent finalement à disparaître dans des œuvres qui deviennent de plus en plus transparentes en se concentrant sur le passage de la lumière et de la réalité vue au travers.

C’est la confrontation baroque de la multitude de points de vues avec leur disparition, qui permet de générer la perception du processus de transformation permanente de toute chose. Par définition, l’impermanence ne se fige pas mais elle peut être mise en exergue grâce à l’appréhension du temps qui passe dans le mouvement des ombres et des lumières. Je cherche dans ma pratique artistique le point de contact simultané entre le moment de l’apparition et celui de la disparition: le passage « inframince » (pour reprendre le concept Duchampien). Mes sculptures rencontrent la fêlure et ouvrent une nouvelle faille qui propose une image sensorielle entre deux phases chaotiques. Il s’agit de mettre en suspens la violence symbolique et de la décomposer. D’après Freud, la ligne de clivage non déterminée révèle la structure auparavant invisible du cristal. J’ajouterai que la fêlure ouvre sur une infinité de réalités perceptibles ou non mais c’est la part de mystère et de rêve qu’elles contiennent qui nous donne une chance d’habiter pleinement la réalité………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………..

DEUTSCH

Ich zerbreche das Glas meiner Skulpturen, um die zentrale Perspektive zu hinterfragen, die seit der Renaissance durch ein Fenster gesehen wird. Diese Perspektive zeugt von einer androzentrischen Sichtweise, die die Repräsentation der Realität einfriert und das begehrte Subjekt entfremdet. Es gibt eine Vielzahl von Perspektiven, um die Realität zu repräsentieren. Ich versuche, sie zu vervielfachen, indem ich den Weg von Licht und Schatten offenbare. Es ist der Moment des Übergangs von einem zum anderen, den ich aufdecken möchte. Wann verschwindet das Licht? Wie kann man es so weit wie möglich konzentrieren (sichtbar machen) oder kanalisieren? Ich schlage vor, das Licht zu enthüllen und die Momente des “Übergangs” zu suchen, indem ich mit dem Material Glas experimentiere. Ich habe das Fenster zu meinem Arbeitsmaterial gemacht und fotografiere den Raum durch die Risse, die sein Glas offenbaren. Als ob das Objektiv der Kamera zerbrochen wäre, vervielfache ich die Ansichten, indem ich ein allmähliches Verschwinden ihrer Repräsentation in bestimmten transparenten Bereichen des Glases erzeuge, um einen Blick auf die Realität zu ermöglichen. Ich drucke das wechselnde Licht im Negativ auf die Glasscheiben, um die Unbeständigkeit der Dinge und Wesen zu offenbaren. Es ist der Blick des Besuchers*in, der*die, während er*sie durch die Skulptur zirkuliert, den « Infra – mince” Punkt zwischen dem Erscheinen und dem Verschwinden des Kunstwerks oder der Realität sucht und wahrnimmt.

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“Das Zerbrechen von Glas ist aus psychologischer und noch mehr aus künstlerischer Sicht manchmal providentiell, für die offenen Risse in der Fülle. Das gesprungene Glas bringt die Desillusion in die Welt, nicht aus Nihilismus, sondern als Suche nach Wahrheit” (Bernard Thevoz “l’art comme malentendu”).

Meine plastische Arbeit ist eine recherche zum Thema des Übergangs und ich entlehne dem architektonischen Element des Fensters sein Material und seine Symbolik. Ich recycle und transformiere das Glas von Institutionen in Installationen, indem ich es mit einem anderen Medium wie der Fotografie konfrontiere, die es trübt. Indem ich die Fenster physisch von einer Institution in eine andere verschiebe, wird das Dispositiv des Blicks selbst in Frage gestellt. Durch das Recyceln und Transformieren von Glasscheiben, die in Kunsträumen gefunden wurden, und durch das Zeigen dieser Scheiben als Kunstobjekte arbeite ich mit dem Thema der Liminalität, diesem Zwischenraum, der entsteht, wenn zwei Welten sich aneinander reiben und implodieren. Trennung? Die Intuition vermutet jedoch eine unmerkliche Kontinuität.
Mithilfe von Skulpturen suche ich nach dem Riss und öffne eine Bresche für ein sensorisches Bild zwischen zwei chaotischen Phasen. Es geht darum, die symbolische Gewalt in die Schwebe zu bringen und sie zu zerlegen. Nach Freud enthüllt die unbestimmte Spaltlinie die zuvor unsichtbare Struktur des Kristalls. Ich möchte ergänzen, dass der Riss eine unendliche Anzahl von Realitäten eröffnet, und es ist der Teil des Mysteriums und des Traums, den sie enthalten, der uns eine Chance gibt, die Realität vollständig zu bewohnen. 

Garance Arcadias, Februar 2022

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Garance Arcadias experimentiert in Zusammenarbeit mit der Glaswerkstatt in der Akademie seit 2013 mit Industrieglas. Dieses profane Material in Verbindung mit seiner kunsthistorischen Tradition hat Arcadias in ein Bezugsfeld gebracht, in dem nur ganz wenige KünstlerInnen tätig ist und das dennoch hochaktuell ist. Wenn die Münchner Akademie, wie der Kunsthistoriker Professor Dietmar Rübel jüngst behauptet hat, herausragend in der Glaskunst ist, dann hat Arcadias’ Kunst einen großen Anteil daran. Ihre bisher geleistete künstlerische Forschung zeigt nicht nur schon jetzt eine sehr hohe konzeptuelle und handwerkliche Qualität – sie hat darüber hinaus noch ein großes Potential.

Arcadias’ Kunst thematisiert das Bild, bzw. das Objekt als Schwelle zwischen zwei Zuständen bzw. Seinsweisen. Auf der realen Ebene, indem sie ganz buchstäblich das Fenster zum Material ihrer Kunst gemacht hat. Auf der imaginären Ebene, indem sie eine besondere Form der fotografischen Ablichtung – die Cyanotypie – ihren bildhauerischen Untersuchungen zum Medium Glas hinzufügt.

In der Jahresausstellung 2017 ersetzte Garance Arcadias die Fensterscheiben des Klassenraums in der Akademie durch die Fensterscheiben der alten Pinakothek. Auf diese Weise fügte sie in ihrer künstlerischen Arbeit der realen Schwelle der Fenster zwischen Innen und Außen und der imaginären Schwelle der Fotografie zwischen Fiktion und Realität zusätzlich eine dritte Schwelle hinzu: die symbolische Schwelle zwischen Rezeption und Produktion. Durch die Auswechslung der Fenster zweier unterschiedlicher Orte der Kunst stülpte sich die Bedingung der Rezeption über die Produktion von Kunst. Das Fenster des Museums wurde zum Fenster des Ateliers. Letzteres ist ein geläufiges Motiv der Kunstgeschichte: das Fenster des Museums als die verborgene Bedingung dieser Geschichte.

In einem zweiten Schritt transformierte Garance Arcadias diese konzeptuelle Installation zurück in ein zweidimensionales Medium: Die Fenster der Alten Pinakothek waren mit einer zwischen die Scheiben eingeschweißten infrarot und UV-Schutz-Kleber ausgestattet, die im Laufe der Jahre durch Licht- und Temperatureinwirkung vergilbte, zerfloss und dabei impressionistische Farb- und Formirritationen im Glas hinterließ. Dieser malerische Zerfall war für Garance Arcadias die Vorlage für eine Belichtung der Fenster auf Leinwand im Cyanotypie-Verfahren. Das reale Fenster des Raumes wurde zum idealen Fenster als Bild.

Eine zweite Strategie der “Bildwerdung” der Fensterscheiben entwickelte Garance für ihre Diplomarbeit. An die beiden Stirnwänden des Klassenateliers montierte Garance zwei Fenster, die in Aussehen und Größe den vorhandenen Atelierfenstern glichen. Auch waren die beiden “blinden” Fenster in der selben Höhe wie ihre referenten “sehenden” Fenster angebracht. Die Scheiben der blinden Kunstfenster waren die ausgebauten Scheiben von der alten Pinakothek.

Die Verformungen der infrarot Kleber bildeten sich vor der weißen Wand ab und wurden so zur Malerei. Die kunstgeschichtliche Verwandtschaft von Bild und Fenster blitzte in diesem Werk ebenso auf, wie die zwischen Bild und Spiegel. Die gegenüberliegenden Fenster spiegelten sich und den Raum ins Unendliche. Da die malerischen Formen alle Blasen zeigten ergab sich auch ein schöner Kontrast zwischen dem strengen Raster der Scheiben und den gelblichen Blasen, die was naturhaftes wiedergaben.

Im Vestibül zeigte Garance eine Werkstattsituation. In ihrem gegenwärtigen Arbeitsprozess hat Garance Arcadias diesen Bildcharakter der Fenster durch Erhitzen und Belichten der Glasscheiben weiter verstärkt. Sie stellte das prozesshafte ihrer Arbeit als eingefrorener Zustand aus an dem das Licht weitermodelierte.

Michael Hofstetter, Februar 2018.