statement

 

english (deutsche version unten)

Our Knockout blow.

What was before can be lost forever only with one more micro step. It often tends to get faster and I can choose to save the material reactions from its momentum or let it degenerate. Sometimes I have to brake it myself. The machine. Remaining “in between”, there is something like a missing step, I don’t get. Folding, unfolding, I am trying to regulate avoiding systematic solutions.

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My work is a body developing itself in a long-time progress, during which the direct, manual gesture of my hand used to be further filtered, obstructed, eliminated.

I first thought that painting directly onto a surface is too personal and absorbing the surface in material helped the hand to disappear.

That’s how I arrive at the dyeing process and much later on at the painting process. 

I First gave importance to the material support and nurture its texture and its history.

“Ready-made assisté

I work in affinity to the displaying situation, always referring to the outside world and imposing myself a distance to itMy work is essentially connected to photography, camera-less photography, as demonstrated in my works with the old Pinakothek windows: Industrial windows came to me when I noticed the charmingdefect of their primary function in a museum as the old glass panes from the old Pinakothek were no longer serving their cause. The plastic effect of their infrared glue melting between the glass layers was not only very appealing for me, I loved the fact that those glass panes were supposed to protect the old masters painting inside the museum. I’ve been waiting two years long till they threw them away for me to collect them. The windows did hang for few years only in that institution and kept constantly losing their technical efficiency on a daily basis while gaining more and more plasticity.

As with my formal blueprints, the sun was working on the material which slowly  turned it into great pieces of art for the museum’s visitors who noticed them.

I had to take those panes and transfer them in another institution. I chose to exhibit them on the windows again, directly on the chassis frames of my atelier in the art academy. After the swap, I screwed two of those full windows on two walls facing each other, and called them “blind windows”. They interacted with an empty room when revealing their plasticity. The infrared and anti UV glue was still moving (imperceptibly) between the glass layers, dripping and transforming the surrealistic drawings doomed to disappear.

In a second room, I brought some of the remaining panes in the centre of the exhibition space, standing like sculptures. A series of 12 were heated and burned in the glass oven as well as flashed under the lamps from the serigraphy studio in order to push the natural process of the heat and light which started to work on them a few years earlier. I broke some of the security glass panes to burst during my diploma’s exhibition and let them at last lying on the floor of the academy’s entrance hall.

Behind institutional windows, I printed their negative chassis’ frames focusing more on their symbolic meaning than on the parts of the reality printed as shadows on the tale. I left the sunlight prints and worked directly with the architectural element, wondering how the exhibition space and its outside are being seen through windows.

I transformed, broke and finally painted on them. Doing so… I tried to avoid the twist” using direct symbols since I don’t have to answer with given codes, and I am reluctant to replay what I want to denounce. Anyway, I never pretend to fully comprehend the outcome.

As a low-tech method of touchscreens my glass windowpanes can reflect on a new sort of interfaces to be applied nowadays. Touch screens and digital representations out of our personal bag and common reality. Augmented reality. Video games, movies and reality shows also proposing an alternative to reality through windows. Mine, on the other hand, offer a more physically and emotionally involved interface, both purely sensual (blind), and at the same time, reflexive, meditative.

Garance Arcadias, May 2019

(deutsch)

Meine Arbeit entwickelt sich in einem ausgedehnten Prozess, bei dem die direkte, manuelle Geste meiner Hand eine Zeit lang gefiltert, blockiert und eliminiert wurde.

Direkt auf eine Oberfläche zu malen, war mir immer zu persönlich, und die Oberfläche mit Stoff zu absorbieren hat dabei geholfen, die Hand verschwinden zu lassen.

So bin ich zum Färben gekommen und später nun zum marlern. 

Der stoffliche Bildträger ist mir wichtig, und ich wertschätze seine Struktur und Geschichte.

“Ready-made assisté”

Ich arbeite in Übereinstimmung mit der Ausstellungssituation, verweise dabei stets auf die Außenwelt, zu der ich aber Abstand halte.

Meine Arbeit ist eng verbunden mit der Fotografie, und zwar der kameralosen Fotografie, wie in meinen Arbeiten mit den Fenstern der Alten Pinakothek:

Auf industrielle Fenster bin ich gekommen, als ich den reizvollen Defekt ihrer wichtigsten Funktion in einem Museum bemerkte, wo die alten Glasscheiben in der Alten Pinakothek nicht mehr ihren Zweck erfüllten. Der plastische Effekt des infraroten Klebstoffs, der zwischen den Glasschichten schmolz, war für mich nicht nur sehr reizvoll, ich war auch hingerissen von der Tatsache, dass diese Glasscheiben die Alten Meister im Inneren des Museums beschützen sollten. Ich habe zwei Jahre gewartet, bis sie ausrangiert wurden und ich sie einsammeln konnte. Die Fenster hingen nur ein paar Jahre in der Alten Pinakothek, denn sie verloren kontinuierlich und täglich an technischer Effizienz, wurden aber immer plastischer.

Wie bei meinen formellen Blaupausen bearbeitete die Sonne das Material, das sich langsam in großartige Kunstwerke verwandelte, die auch von den Museumsbesucher*innen bemerkt wurden.

Ich musste diese Scheiben nehmen und sie in eine andere Institution transferieren. Ich entschloss mich, sie wieder auf Fenstern auszustellen, direkt auf den Sprossenrahmen meines Ateliers an der Kunstakademie.

Nach dem Tausch habe ich zwei dieser Fensterflügel an zwei gegenüberliegende Wände geschraubt und sie „blinde Fenster“ genannt. Sie interagierten mit einem leeren Raum, als sie ihre Plastizität offenbarten. Die infrarote, vor UV-Strahlen schützende Schicht bewegte sich immer noch (unmerklich) zwischen den Glasschichten, tropfte und veränderte die zum Verschwinden verurteilten surrealistischen Zeichnungen.

In einem zweiten Raum stellte ich einige der restlichen Scheiben freistehend wie Skulpturen in die Mitte des Ausstellungsraums. 12 davon wurden erhitzt und im Glasofen gebrannt und dann mit den Lampen aus der Siebdruckwerkstatt beleuchtet, um den natürlichen Prozess von Hitze und Licht, der ja schon vor einigen Jahren zuvor begonnen hatte, zu beschleunigen. Ich zerbrach einige der Sicherheitsglasscheiben während meiner Diplomausstellung und ließ die Scherben auf dem Boden der Eingangshalle der Akademie liegen.

Hinter den institutionellen Fenstern druckte ich ihre negativen Gestellrahmen und konzentrierte mich dabei eher auf deren symbolische Bedeutung als auf die Teile der Wirklichkeit, die als Schatten auf der Erzählung gedruckt waren. Ich ließ die Sonnenlichtdrucke beiseite und arbeitete direkt mit dem architektonischen Element, um herauszufinden, wie der Ausstellungsraum und seine Umgebung durch die Fenster gesehen werden.

Ich veränderte, zerbrach und bemalte die Scheiben schließlich. Dabei habe ich versucht, den „Dreh“ zu vermeiden, direkte Symbole zu verwenden, denn ich muss nicht mit vorgegebenen Codes antworten, und ich möchte nicht das wiederholen, was ich ablehnen will. So oder so gebe ich nicht vor, das Ergebnis vollkommen zu verstehen.

Als eine Lowtech-Variante von Touchscreen können meine Fensterscheiben aus Glas über eine neue Art von Schnittstelle oder Interface reflektieren, die heutzutage angewandt werden. Tochscreens und digitale Darstellungen aus unserer persönlichen Tasche und gemeinsamen Wirklichkeit. Erweiterte Realität. Videospiele, Filme und Reality-Shows bieten Fenster zu alternativen Wirklichkeiten. Meine Fenster dagegen bieten ein physisch und emotional involvierteres Interface, sie sind sowohl rein sinnlich (blind) also auch gleichzeitig reflexiv, meditativ.

Garance Arcadias, edited by Ory Dessau, Mai 2019

Introduction to Garance Arcadias’ work by Prof. Michael Hofstetter

english (Deutsche version unten)

I have been familiar with Garance Arcadias’ artistic work since January 2016, when as the curator of the exhibition Notel Prinzregent I selected her work Raum 108 (Room 108) to be included. In this exhibition, a total of 96 site-specific installations by students of Munich’s Akademie der Bildenden Künste explored the subject of housing and displacement, dwelling and temporary stays in the spaces offered by the former Hotel Prinzregent.

Garance Arcadias chosen a ground-floor room for her intervention. She blocked the entrance and opened the room to the garden by removing the panes of glass from the window. She then treated the glass and exhibited it in Room 108 together with cyanotypes of the windows. The threshold toward the outside became an art object and an image.

I have been teaching Gregor Schneider’s former class since Summer Semester, 2017. In this way, I began working more closely with Garance Arcadias, who has been studying in the class since 2013.

Arcadias’ art deals with the image, the object as a threshold between two states and/or modes of being. On the one hand, she does this on a real level by making the window the material she uses in her art. But she also works on the imaginary level by adding a special form of photographic exposure, a cyanotype, to her sculptural studies on glass as a medium.

In the annual exhibition 2017, Garance Arcadias replaced the windowpanes of the classroom at the Akademie der bildenden Künste with windowpanes from the Alte Pinakothek. In this way, she combined the real threshold of the window between inside and outside and the imaginary threshold of the photograph between fiction and reality with an additional third threshold, the symbolic threshold between reception and production. By exchanging the windows of two different sites of art, the conditions of reception were placed over the production of art. The window of the museum became a window of the studio. The latter is a common motif of art history: the window of the museum as the hidden condition of this history.

In a second step, Garance Arcadias transformed this conceptual installation back to a two-dimensional medium. The windows of the Alte Pinakothek had originally been outfitted with a layer of infrared adhesive and UV protection between panes of glass that over the course of the years yellowed due to light and temperature, melting and leaving color and form irregularities in the glass. For Garance Arcadias, this painterly decay served as the model for an exposure of the window on canvas using the cyanotype technique. The real window of the room becomes an ideal window as an image.

A second strategy of the “pictorialization” of the windowpanes Garance developed for her degree project. On the front and back walls of the class studio, Garance mounted two windows that in their appearance and size were similar to the existing studio windows. The two “blind” windows were placed at the same height as the “seeing” windows they referred to. The panes of both art windows were panes removed from the Alte Pinaktothek.

The distortions of the infrared adhesive took shape against the white wall and thus become painting. The affinity between the picture and the window in art history flashed up in this work, along with that between the picture and the mirror. The opposite windows reflect one another and the room infinitely. Since the painterly forms all showed blisters, there is a nice contrast between the strict pattern of the panes of glass and the yellow blisters that have something natural about them.

In Vestibül (Vestibule), Arcadias presented a workshop situation. In her current work process, Garance Arcadias amplified the pictorial character of the windows still further by heating them and illuminating them. She presented the processual-character of her work in a frozen state that the light continued to alter.

Since 2013, Garance Arcadias has been experimenting with industrial glass in collaboration with the school’s glass workshop. Arcadias brings this mundane material in combination with its tradition in art history to a field of reference in which only very few artists work, and yet one that is highly relevant to the current situation. If Munich’s Akademie der bildenden Künste, as art historian Dietmar Rübel recently claimed, is outstanding in the field of glass art, Arcadias’ work has played a key role here. Her artistic research until now has shown great quality both conceptually and in terms of craftsmanship, and she has great potential to develop in the future.

Michael Hofstetter, February- 2018.

(deutsch)

Ich kenne Garance Arcadias’ künstlerische Arbeit seit Juni 2016, als ich ihr Werk „Raum 108“ für die von mir kuratierte Ausstellung „Notel Prinzregent“ auswählte. Insgesamt 96 ortsspezifische Installationen von Studierenden der Akademie der Bildenden Künste München verhandelten in den Räumen des aufgelösten Hotels Prinzregent das Thema Behausung vs. Enthausung, Wohnen vs. temporäre Bleibe.

Garance Arcadias wählte einen ebenerdigen Raum für ihre Intervention. Sie verschloss den Eingang und öffnete das Zimmer zum Garten hin, indem sie die Scheiben aus der Fensterfront herausnahm, bearbeitete und zusammen mit Cyanotypien dieser Fensterfront im Raum 108 ausstellte. Die Schwelle zum Draußen wurde zum Kunstobjekt und zum Bild.

Seit dem Sommersemester 2017 betreue ich die ehemalige Klasse Gregor Schneider. Auf diese Weise kam es zu einer weiteren intensiven Zusammenarbeit mit Garance Arcadias, die seit 2013 in der Klasse Schneider studiert.

Arcadias’ Kunst thematisiert das Bild, bzw. das Objekt als Schwelle zwischen zwei Zuständen bzw. Seinsweisen. Auf der realen Ebene, indem sie ganz buchstäblich das Fenster zum Material ihrer Kunst gemacht hat. Auf der imaginären Ebene, indem sie eine besondere Form der fotografischen Ablichtung – die Cyanotypie – ihren bildhauerischen Untersuchungen zum Medium Glas hinzufügt.

In der Jahresausstellung 2017 ersetzte Garance Arcadias die Fensterscheiben des Klassenraums in der Akademie durch die Fensterscheiben der alten Pinakothek. Auf diese Weise fügte sie in ihrer künstlerischen Arbeit der realen Schwelle der Fenster zwischen Innen und Außen und der imaginären Schwelle der Fotografie zwischen Fiktion und Realität zusätzlich eine dritte Schwelle hinzu: die symbolische Schwelle zwischen Rezeption und Produktion. Durch die Auswechslung der Fenster zweier unterschiedlicher Orte der Kunst stülpte sich die Bedingung der Rezeption über die Produktion von Kunst. Das Fenster des Museums wurde zum Fenster des Ateliers. Letzteres ist ein geläufiges Motiv der Kunstgeschichte: das Fenster des Museums als die verborgene Bedingung dieser Geschichte.

In einem zweiten Schritt transformierte Garance Arcadias diese konzeptuelle Installation zurück in ein zweidimensionales Medium: Die Fenster der Alten Pinakothek waren mit einer zwischen die Scheiben eingeschweißten infrarot und UV-Schutz-Kleber ausgestattet, die im Laufe der Jahre durch Licht- und Temperatureinwirkung vergilbte, zerfloss und dabei impressionistische Farb- und Formirritationen im Glas hinterließ. Dieser malerische Zerfall war für Garance Arcadias die Vorlage für eine Belichtung der Fenster auf Leinwand im Cyanotypie-Verfahren. Das reale Fenster des Raumes wurde zum idealen Fenster als Bild.

Eine zweite Strategie der “Bildwerdung” der Fensterscheiben entwickelte Garance für ihre Diplomarbeit. An die beiden Stirnwänden des Klassenateliers montierte Garance zwei Fenster, die in Aussehen und Größe den vorhandenen Atelierfenstern glichen. Auch waren die beiden “blinden” Fenster in der selben Höhe wie ihre referenten “sehenden” Fenster angebracht. Die Scheiben der blinden Kunstfenster waren die ausgebauten Scheiben von der alten Pinakothek.

Die Verformungen der infrarot Kleber bildeten sich vor der weißen Wand ab und wurden so zur Malerei. Die kunstgeschichtliche Verwandtschaft von Bild und Fenster blitzte in diesem Werk ebenso auf, wie die zwischen Bild und Spiegel. Die gegenüberliegenden Fenster spiegelten sich und den Raum ins Unendliche. Da die malerischen Formen alle Blasen zeigten ergab sich auch ein schöner Kontrast zwischen dem strengen Raster der Scheiben und den gelblichen Blasen, die was naturhaftes wiedergaben.

Im Vestibül zeigte Garance eine Werkstattsituation. In ihrem gegenwärtigen Arbeitsprozess hat Garance Arcadias diesen Bildcharakter der Fenster durch Erhitzen und Belichten der Glasscheiben weiter verstärkt. Sie stellte das prozesshafte ihrer Arbeit als eingefrorener Zustand aus an dem das Licht weitermodelierte.

Garance Arcadias experimentiert in Zusammenarbeit mit der Glaswerkstatt in der Akademie seit 2013 mit Industrieglas. Dieses profane Material in Verbindung mit seiner kunsthistorischen Tradition hat Arcadias in ein Bezugsfeld gebracht, in dem nur ganz wenige KünstlerInnen tätig ist und das dennoch hochaktuell ist. Wenn die Münchner Akademie, wie der Kunsthistoriker Professor Dietmar Rübel jüngst behauptet hat, herausragend in der Glaskunst ist, dann hat Arcadias’ Kunst einen großen Anteil daran. Ihre bisher geleistete künstlerische Forschung zeigt nicht nur schon jetzt eine sehr hohe konzeptuelle und handwerkliche Qualität – sie hat darüber hinaus noch ein großes Potential.

Michael Hofstetter, Februar 2018.

Inside-out talk – braking sometimes – by Garance Arcadias

I usually start with the materials. Provoking reactions. Theorie comes from that practice and a dialectical process follows.

Glass, textile, photosensitive chemicals or natural dyes as a plastic base are trying to find the way out from their inner reactions. I am assisting a process in transformation. The form is defining itself after having acquainted myself with its material and the exhibition space.  That shape can replay or play with a surrounding architectural element of the room. A window, taken out of the walls, can be transformed as “assisted readymade”. The different actions, reactions and nonactions composing a final work are visible but the body of work is remaining unavailable. It is all about filters and layers interwoven. Artistic filters to transform reality, viewers filters from what he gets and all the layers between fiction and reality. Back and forth, in that movement they are some transitions I am trying to catch.

Stage of development and levels of interpretation in the process.

What was before can be lost forever only with one more micro step. It often tends to get faster and I can choose to save the material from its momentum or let it degenerate. Sometimes I have to brake it myself.

After “it”, everything will be different. It is not just happening. “In between”, there is something like a missing step. An artist can try to unfold like a scientist might dissect but some chemical reactions,  something close to metaphysical, still remains impenetrable. Avoiding all expectations, braking physical laws and psychological safety barriers. I am talking about materials and living matter. I am talking about what I could observe and the moment I did not understand.
A surrounding space has to deal with inside distortions (and vice versa). They construct each other after knockout blows. A human space in mind for creativity, a common space outside for experience and a space in between for a good talk. Talks are happening sometimes in good exhibitions. Artists might be the transition. Exhibition spaces can be the transition. Between reality and fiction. I propose to brake the windows. Windows from my exhibition space and others. Reality is outside and we are the filters.
I want to get closer.

Garance Arcadias 2017