statement

“Breaking glass is sometimes providential from a psychological and even more from an artistic point of view, for the cracks that open up in plenitude. Cracked glass brings disillusionment to the world, not out of nihilism but as a search for truth”

Bernard Thevoz “l’art comme malentendu”

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(German & French version below)

I break the glass of my sculptures to question the central perspective seen through a window since the renaissance. This perspective reflects an androcentric vision that presents and freezes reality by alienating the coveted subject. There is a multitude of perspectives to represent reality. I seek to multiply them by revealing the path of light and shadow. It is the moment of passage that I propose to reveal.

I use different materials such as textiles, video and window glass through which I photograph the space seen through. As if the camera lens was broken, I multiply the points of view by generating a gradual disappearance of their representation in certain transparent areas of the glass to let us glimpse reality. I print the changing light in negative on the glass to reveal the impermanence of things and beings. It is the visitor’s gaze that, as he moves through the sculpture, seeks and perceives the “infra-thin” point between the appearance and disappearance of the work or of reality.

An installation made in 2017 with the former windows of the Alte Pinakothek Museum in Munich particularly reflects my artistic practice. In the exhibition room of Prof. Gregor Schneider’s class (AdbK München), I emptied the windows of their glass by removing them from their frames, thus allowing the outside to penetrate the interior of the space that had become porous. I replaced about thirty windows with the museum’s old windows of the same dimensions, leaving about ten empty frames to allow air to enter the space. In the following projects, I developed this practice of “physical borrowing” of the architectural element (window) and “symbolic borrowing” of the view seen through them (photographic image) to propose a multiplication of viewpoints materialized in the glass transformed into sculpture. I recycle and transform these windows into sculptures that often integrate the medium of photography to reveal and fix the passage of light. These sculptures, most often made in situ, can reflect pieces of space, working with the full and the empty, sometimes inverted thanks to the photographic negative. The glass lets us glimpse pieces of reality in the places left transparent. In doing so, I question the space from which we observe the external environment, but above all the way in which we observe reality. By confronting these sculptures with each other I play with their different perspectives to create shifts and generate a visual and physical instability in the space. By removing the image perceived from the exhibition space, “Remove it with the view”, I question the classical representation with its central perspective. Flat panes of glass with a mono oriented perspective become multi-prism spaces of light capture and refraction on the scale of their architecture.

Liminality. It is the “in-between” space generated at the moment when two universes collide and implode that animates my plastic work. Rupture… intuition nevertheless suspects an imperceptible continuity. It is the gaze and its displacement that interest me. The gaze is the idea of the multiplication of points of view that I have chosen to develop plastically in three dimensions through the medium of photography-sculpture. Through my works, I multiply the points of view to exhaust the central perspective and propose an alternative vision. I propose a progressive disappearance of the classical representation of reality, which is like a target under the influence of a focal point, in favour of an infra-thin (and sometimes absent) representation with multiple perspectives. In doing so, only the appearance of light fixed in the glass or crossed by it is sought. I break my windows in order to reveal their structure. The glass becomes visible and catches a different light on the lines of the cracks. When I mentally associate my glass with the filter of the camera lens, itself associated with the filter of our unconscious, I break it further to reject the desires and illusions instinctively generated by our ego. When the central perspective is used by the painter or photographer, the viewer must adopt the point of view that preceded the construction of the painting, otherwise the image appears distorted. Furthermore, the place of the painter and the viewer is invisible, so one could say that perspective is based on an equivocation. The point of view and the main point are confused, which gives man a central place in the representation of space. It is space represented in relation to man, just as the one-eyed camera extends man’s desire to appropriate reality. I evoke through certain deconstructed images in my work, the repetitive nature of human history orchestrated by an androcentric thinking defined by the ego of conquering men; a thinking itself opacified by their propaganda. There are a multitude of different perspectives to be used and before that, as if to free the subject from a reductive vision, one must break the lens, creating a myriad of angles of view. I symbolically break the medium to enrich it with this multiplicity of prisms. These multiplied filters and their symbolism eventually tend to disappear in works that become more and more transparent by focusing on the passage of light and reality seen through them.`

It is the baroque confrontation of the multitude of points of view with their disappearance, which makes it possible to generate the perception of the process of permanent transformation of all things. By definition, impermanence does not stand still but can be highlighted through the apprehension of time passing in the movement of light and shadow. In my artistic practice, I seek the simultaneous point of contact between the moment of appearance and the moment of disappearance: the “infra-thin” passage (to use the Duchampian concept). My sculptures meet the crack and open a new fault line that proposes a sensory image between two chaotic phases. It is a question of putting symbolic violence on hold for the duration of the experimentation of the work of art. According to Freud, the undetermined cleavage line reveals the previously invisible structure of the crystal. I would add that the crack opens up an infinite number of realities, perceptible or not, but it is the part of the mystery and the dream that they contain that gives us a chance to fully inhabit reality.

Garance Arcadias, september 2022

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EINFÜHRUNG (DE)

“Das Zerbrechen von Glas ist aus psychologischer und noch mehr aus künstlerischer Sicht manchmal providentiell, für die offenen Risse in der Fülle. Das gesprungene Glas bringt die Desillusion in die Welt, nicht aus Nihilismus, sondern als Suche nach Wahrheit” (Bernard Thevoz “l’art comme malentendu”).

Ich zerbreche das Glas meiner Skulpturen, um die zentrale Perspektive zu hinterfragen, die seit der Renaissance durch ein Fenster gesehen wird. Diese Perspektive zeugt von einer androzentrischen Sichtweise, die die Darstellung der Realität erstarren lässt und das begehrte Subjekt entfremdet. Es gibt eine Vielzahl von Perspektiven, um die Realität darzustellen. Ich versuche, sie zu vervielfachen, indem ich den Weg von Licht und Schatten offenbare. Es ist der Moment des Übergangs, den den ich aufdecken möchte.

Ich verwende verschiedene Materialien wie Textilien, Video und Fensterglas, durch das ich den Raum fotografiere. Als ob das Objektiv der Kamera zerbrochen wäre, vervielfache ich die Ansichten, indem ich ein allmähliches Verschwinden ihrer Repräsentation in bestimmten transparenten Bereichen des Glases erzeuge, um die Realität durchscheinen zu lassen. Ich drucke das wechselnde Licht als Negativ auf die Glasscheiben, um die Vergänglichkeit der Dinge und Wesen zu enthüllen. Es ist der Blick des Besuchers, der, während er sich durch die Skulptur bewegt, den “infradünnen” Punkt zwischen dem Erscheinen und dem Verschwinden des Kunstwerks oder der Realität sucht und wahrnimmt.

Eine Installation, die ich 2017 mit den alten Fenstern des Museums der Alten Pinakothek in München realisiert habe, spiegelt meine künstlerische Praxis besonders wider. Im Ausstellungsraum der Klasse von Prof. Gregor Schneider (AdbK München) entleerte ich die Fenster ihres Glases, indem ich sie aus ihren Rahmen entfernte und so das Äußere in das Innere des porös gewordenen Raums eindringen ließ. Ich ersetzte etwa 30 Fenster durch die ehemaligen Museumsfenster, die die gleichen Maße hatten, und ließ etwa 10 Fensterrahmen leer, damit die Luft in das Innere des Raums eindringen konnte. In den folgenden Projekten habe ich diese Praxis der “physischen Entlehnung” des architektonischen Elements (Fenster) und der “symbolischen Entlehnung” des Blicks durch die Fenster (fotografisches Bild) weiterentwickelt, um eine Vervielfachung der Blickwinkel vorzuschlagen, die sich in dem zu einer Skulptur umgewandelten Glas materialisieren. Ich recycle diese Glasscheiben und verwandle sie in Skulpturen, die oft das Medium der Fotografie beinhalten, um den Durchgang des Lichts zu enthüllen und festzuhalten. Diese meist in situ entstandenen Skulpturen können Teile des Raums widerspiegeln und arbeiten mit vollen und leeren Flächen, die dank des fotografischen Negativs manchmal umgekehrt sind. Das Glas lässt an den transparent gelassenen Stellen Teile der Realität erkennen. Dabei hinterfrage ich den Raum, von dem aus wir die äußere Umgebung beobachten, aber vor allem die Art und Weise, wie wir die Realität beobachten. Indem ich diese Skulpturen einander gegenüberstelle, spiele ich mit ihren unterschiedlichen Perspektiven, um Verschiebungen zu schaffen und eine visuelle und physische Instabilität im Raum zu erzeugen. Indem ich das vom Ausstellungsraum aus betrachtete Bild abhänge, “Remove it with the view”, hinterfrage ich die klassische Darstellung mit ihrer Zentralperspektive. Flache Glasscheiben mit monoorientierter Perspektive werden zu Räumen mit mehreren Prismen, in denen das Licht auf der Maßstabsebene ihrer Architektur eingefangen und gebrochen wird.

Liminalität. Es ist der Raum “zwischen zwei”, der entsteht, wenn sich zwei Welten aneinander reiben und implodieren, der meine plastische Arbeit antreibt. Bruch? die Intuition vermutet jedoch eine unmerkliche Kontinuität. Ich interessiere mich für den Blick und seine Bewegung. Der Blick ist die Idee der Vervielfältigung von Standpunkten, die ich plastisch in drei Dimensionen mithilfe des Mediums der Fotografie und Skulptur entwickeln möchte. Durch meine Kunstwerke vervielfache ich die Blickwinkel, um die Zentralperspektive zu erschöpfen und eine alternative Sichtweise anzubieten. Ich schlage ein allmähliches Verschwinden der klassischen Darstellung der Realität vor, die wie eine Zielscheibe unter dem Einfluss einer Fokussierung ist, zugunsten einer infradünnen (und manchmal abwesenden) Repräsentation mit mehreren Perspektiven. Auf diese Weise wird die Erscheinung des Lichts gesucht, das im Glas fixiert ist oder von ihm durchdrungen wird. Ich zerbreche meine Glasscheiben, um ihre Struktur zu enthüllen. Auf diese Weise sichtbar geworden, fangen die Gläser ein anderes Licht auf den Linien der Risse ein. Wenn ich mein Glas gedanklich mit dem Filter des Kameraobjektivs verbinde, der wiederum mit dem Filter unseres Unterbewusstseins verbunden ist, zerschlage ich es noch mehr, um die instinktiv von unserem Ego erzeugten Wünsche und Illusionen zu verwerfen. Wenn die Zentralperspektive vom Maler oder Fotografen verwendet wird, muss der Betrachter den Standpunkt einnehmen, der dem Aufbau des Bildes vorausgegangen ist, da das Bild sonst verzerrt erscheint. Außerdem ist der Platz des Malers und des Betrachters unsichtbar, sodass man sagen könnte, dass die Perspektive auf einer Äquivokation beruht. Der Blickpunkt und der Hauptpunkt werden verwechselt, was dem Menschen einen zentralen Platz in der Darstellung des Raums verleiht. Es ist der Raum, der in Bezug auf den Menschen repräsentiert wird, so wie die einäugige Kamera den Drang des Menschen, sich die Realität anzueignen, verlängert. Durch einige dekonstruierte Bilder in meinen Werken beschwöre ich den sich wiederholenden Charakter der menschlichen Geschichte herauf, die von einem androzentrischen Denken orchestriert wird, das vom Ego erobernder Männer bestimmt wird; ein Denken, das selbst durch ihre Propaganda getrübt wird. Es gibt eine Vielzahl verschiedener Perspektiven, die man verwenden kann, und bevor man dies tut, muss man, um das Motiv von einer reduzierten Sicht zu befreien, das Objektiv zerbrechen und eine Unzahl von Blickwinkeln schaffen. Ich zerbreche das Medium, um es mit dieser Vielzahl von Prismen anzureichern. Diese vervielfachten Filter sowie ihre Symbolik tendieren schließlich dazu, in Werken zu verschwinden, die immer transparenter werden, indem sie sich auf den Durchgang des Lichts und die durch sie hindurch gesehene Realität konzentrieren.

Es ist die barocke Konfrontation der Vielzahl von Ansichten mit ihrem Verschwinden, die es ermöglicht, die Wahrnehmung des ständigen Transformationsprozesses aller Dinge zu erzeugen. Per Definition lässt sich die Unbeständigkeit nicht einfrieren, sondern kann durch das Erfassen der vergehenden Zeit in der Bewegung von Licht und Schatten hervorgehoben werden. In meiner künstlerischen Praxis suche ich den Punkt, an dem der Moment des Erscheinens und der des Verschwindens gleichzeitig in Berührung kommen: den “inframince”-Übergang (um das Duchampsche Konzept aufzugreifen). Meine Skulpturen treffen auf den Riss und eröffnen einen neuen Riss, der ein sensorisches Bild zwischen zwei chaotischen Phasen bietet. Es geht darum, die symbolische Gewalt für die Dauer des Experimentierens mit dem Kunstwerk zu suspendieren. Nach Freud enthüllt die unbestimmte Spaltlinie die zuvor unsichtbare Struktur des Kristalls. Ich möchte ergänzen, dass der Riss eine unendliche Anzahl von wahrnehmbaren oder nicht wahrnehmbaren Realitäten eröffnet, aber es ist der Teil des Mysteriums und des Traums, den sie enthalten, der uns eine Chance gibt, die Realität vollständig zu bewohnen.

Garance Arcadias, September 2022.

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DÉMARCHE ARTISTIQUE (FR)

Je brise le verre de mes sculptures pour interroger la perspective centrale vue au travers d’ une fenêtre depuis la renaissance. Cette perspective témoigne d’une vision androcentrique qui présente et fige la réalité en aliènant le sujet convoité. Il existe une multitude de perspectives pour représenter la réalité. Je cherche à les multiplier en révélant le chemin des ombres et des lumières. C’est le moment du passage que je me propose de révéler.

J’emploie différents matériaux comme le textile, la vidéo et le verre de fenêtres dont je photographie l’espace vue  au travers. Comme si l’objectif de l’appareil photo était brisé, je multiplie les points de vues en générant une disparition progressive de leur représentation dans certaines zones transparentes du verre pour laisser entrevoir la réalité. J’imprime la lumière changeante en négatif sur les vitres pour révéler l’impermanence des choses et des êtres. C’est le regard du visiteur qui, en circulant au travers de la sculpture, cherche et perçoit le point « infra mince » entre l’apparition et la disparition de l’œuvre ou de la réalité.

Une installation réalisée en 2017 avec les anciennes fenêtres du musée de la Alte Pinakothek de Munich reflète particulièrement ma pratique artistique. Dans la salle d’exposition de la classe du Prof. Gregor Schneider (AdbK München), j’ai vidé les fenêtres de leur verre en les ôtant de leurs châssis, laissant ainsi l’extérieur pénétrer à l’intérieur de l’espace devenu poreux. J’ai remplacé une trentaine de fenêtres par les anciennes fenêtres du musée qui étaient de mêmes dimensions, laissant une dizaine de châssis vides afin de permettre à l’air de pénétrer à l’intérieur de l’espace. Dans les projets suivants, j’ai développé cette pratique « d’emprunt physique » de l’élément architectural (fenêtre) et « d’emprunt symbolique » de la vue aperçue au travers de celles ci (image photographique) pour proposer une multiplication des points de vues matérialisés dans le verre transformé en sculpture. Je recycle et transforme ces vitres en sculptures qui intègrent souvent le médium de la photographie pour révéler et fixer le passage de la lumière. Ces sculptures réalisées le plus souvent in situ, peuvent refléter des morceaux d’espace, travaillant les pleins et les vides parfois inversés grâce au négatif photographique. Le verre laisse entrevoir des morceaux de la réalité aux endroits laissés transparents. J’interroge ce faisant l’espace depuis lequel nous observons l’environnement extérieur mais surtout la manière dont nous observons la réalité. En confrontant ces sculptures les unes aux autres je joue avec leurs différentes perspectives pour créer des décalages et générer une instabilité visuelle et physique dans l’espace. En décrochant l’image perçue depuis l’espace d’exposition, « Remove it with the view”, c’est la représentation classique avec sa perspective centrale que j’interroge. Des vitres plates à perspective mono orientée deviennent des espaces multi prismes de capture et de réfraction de la lumière à l’échelle de leur architecture

Liminalité. C’est  l’espace « entre deux » généré au moment où deux univers se frottent et implosent qui anime mon travail plastique. Rupture? l’intuition suspecte pourtant une imperceptible continuité. C’est le regard et son déplacement qui m’intéressent. Le regard, c’est l’idée de la multiplication des points de vue que j’ai choisi de développer plastiquement en trois dimensions grâce au médium de la photographie-sculpture. Au travers de mes œuvres, je multiplie les points de vue pour épuiser la perspective centrale et proposer une vision alternative. Je propose une disparition progressive de la représentation classique de la réalité qui est comme une cible sous l’emprise d’une focale au profit d’une représentation inframince (et parfois absente) aux perspectives multiples. Ce faisant, seule l’apparition de la lumière fixée dans le verre ou traversée par elle est recherchée. Je brise mes vitres afin de révéler leur structure. Ainsi devenues visibles, les verres accrochent une lumière différente sur les lignes des fêlures. Lorsque j’associe mentalement mon verre au filtre de l’objectif de l’appareil photographique, lui-même associé au filtre de notre inconscient, je le brise de plus belle pour rejeter les désirs et les illusions générés instinctivement par notre égo. Lorsque la perspective centrale est utilisée par l’artiste peintre ou le photographe, il faut que le spectateur adopte le point de vue qui a précédé la construction du tableau sans quoi l’image apparaît déformée. De plus, la place du peintre et du spectateur est invisible alors on pourrait dire que la perspective repose sur une équivoque. Le point de vue et le point principal sont confondus, ce qui donne à l’homme une place centrale dans la représentation de l’espace. C’est l’espace représenté par rapport à l’homme, tout comme l’appareil photographique à un seul œil prolonge les envies de l’homme de s’ approprier la réalité. J’évoque au travers certaines images déconstruites dans mes œuvres, le caractère répétitif de l’histoire humaine orchestrée par une pensée androcentrique définie par l’égo d’ hommes conquérants; une pensée elle-même opacifiée par leur propagande. Il existe une multitude de perspectives différentes à utiliser et avant cela, comme pour libérer le sujet d’une vision réductrice, il faut briser l’objectif, créant une myriade d’angles de prises de vue. Je brise symboliquement le médium pour l’enrichir de cette multiplicité de prismes. Ces filtres démultipliés ainsi que leur symbolique, tendent finalement à disparaître dans des œuvres qui deviennent de plus en plus transparentes en se concentrant sur le passage de la lumière et de la réalité vue au travers.

C’est la confrontation baroque de la multitude de points de vues avec leur disparition, qui permet de générer la perception du processus de transformation permanente de toute chose. Par définition, l’impermanence ne se fige pas mais elle peut être mise en exergue grâce à l’appréhension du temps qui passe dans le mouvement des ombres et des lumières. Je cherche dans ma pratique artistique le point de contact simultané entre le moment de l’apparition et celui de la disparition: le passage « inframince » (pour reprendre le concept Duchampien). Mes sculptures rencontrent la fêlure et ouvrent une nouvelle faille qui propose une image sensorielle entre deux phases chaotiques. Il s’agit de mettre en suspens la violence symbolique pendant la durée de l’expérimentation de l’œuvre d’art. D’après Freud, la ligne de clivage non déterminée révèle la structure auparavant invisible du cristal. J’ajouterai que la fêlure ouvre sur une infinité de réalités perceptibles ou non mais c’est la part de mystère et de rêve qu’elles contiennent qui nous donne une chance d’habiter pleinement la réalité.

Garance Arcadias, Septembre 2022.