CURRENT “barocker inframince”

BAROCKER INFRAMINCE 29.09.22 – 23.10.22

Vernissage on 28th of september 2022 in the Internationales Künstlerhaus Villa Concordia, Bamberg, Germany.

©Garance Arcadias

Installation composed of 14 panes of glass that can be modulated into autonomous sculptures, diptychs or triptychs. The work, created with the exhibition space in Marseille as raw material, includes its space printed on eight cracked church windows ( “Mise en abyme”) Recovered from the church of St Paul, these windows are completed by a series of prints on glass also made in situ for the exhibition space of Villa Concordia. In total, eight recycled church windows and six glass panes with a negative photographic print of the passage of light in the exhibition space of Villa Concordia will be presented on 28 September 2022. Dimensions: 58/174 cm each.

HANDOUT – ENGLISH (see below for French & German edited version)

I mainly work in situ with windows in places that host art. I empty the window of its glass by removing it from its frame, thus allowing the outside to penetrate inside the space that has become porous. The extracted glass is then recycled into sculptures that will resonate with the the exhibition room. The work continued during my residency in the Villa Concordia present the interweaving of photographs of different spaces through transparency. 
I generate a “mise en abyme” by duplicating the photographed reality from different perspectives (a work within a work). These photographs offer different perspectives on reality, which they duplicate until they merge with it; at the same time, they have been slightly shifted in order to question our relation to reality. I approach the notion of mimesis* by capturing the traces of “infra-thinness” (a concept of fineness of perception developed by Marcel Duchamp) of the passage of light in negative on glass.

A photograph of a “broken façade” taken from the series of the same name is at the origin of this work which deals with the themes of passage and illusion. I used as a support the old safety glass of the light well of the St Paul church in Marseille. I voluntarily broke these windows before printing them, in order to photograph the exhibition space through the cracks. I printed the first four panes by isolating the crack lines from my image and extruding more and more of the photograph onto each print, to gain transparency. I superimposed the “false cracks” of my image on the following panes of glass, with the real cracks and their copies, and printed them with a slight offset. 
I integrated into this first series the photographs of the surrounding space taken through the cracks as if the camera’s lens was itself broken. I finally extended this sculpture with a second mise en abyme through the work created in the space of Villa Concordia, thus generating a continuity between the space of an image, that of a past place and that of the present space. 

For this project I worked by progressively widening the field of my shots. The camera lens, initially focused on the image to be decomposed, moves to the architecture of the exhibition space and then to the outside environment seen through the windows. It is this opening up of the field of vision that I emphasise in the space of Villa Concordia, by seeking to get closer to a nature that could take the place of its representation. In so doing, I am going against the iconography of stained glass, which, from antiquity to the Renaissance, had a didactic purpose. I leave the image by first breaking it down to present its deflagrations and observe what happens on the other side. A stained glass window is a decorative composition made of pieces of coloured glass. These pieces have been assembled by lead rods since the early Middle Ages. The path of my cracks is not unlike that of the lead rods that set the glass pieces together, but it is by desaturation and splintering that I proceed. By symbolically unhooking the panes of glass from a space (“take it with the view”), I distance myself from the world of church window glass painting to question its representational device.

It is the gaze and its displacement that interest me. 
The gaze is the idea of the multiplication of points of view that I have chosen to develop in three dimensions through the medium of photography-sculpture. Through this work, I am looking for the point of disappearance of representation: that of the illusionary image as much as that of the image of the reality seen. I break windows in order to reveal their structure. The glass thus becomes visible and catches a different light on the lines of the cracks. The camera only offers a fixed and mono oriented perspective. To free the subject from a reductive vision, the lens must be broken, creating a myriad of angles. I symbolically break the medium to enrich it with this multiplicity of prisms.

I chose to place my source image (the most opaque) at the end of the exhibition space and to place the most transparent one on the threshold. The opaque image is an illusionary image, like a witness to our desires and projections. The reflections of this façade photograph show us what is not: “a harmless afternoon on the harbour of Marseille”. If we look closely, it shows the seeds of a pending creak.
The presence of three gears of different symbolism (the steering wheel of the machine – reference to weapons – , the big wheel of the merry-go-round – playful register – and the shape of the splinter in the window – violence – ) evokes the repetitive character of human history orchestrated by an androcentric thought defined by the ego of conquering men; a thought itself opacified by their propaganda.

As we move through the exhibition space, I complement the absence of the gaze with photographs of a nearby environment that escapes us at first glance: the river – seen only from one corner of the exhibition space – as well as parts of the baroque building – which are too far away to be clearly perceived. These parts of the building are located on either side of a firewall with shutters, which is closed in reality and open in the image of my triptych. This triptych is positioned in the centre of the exhibition space in order to emphasise the concept of transition that is at the heart of my work.

In my artistic practice, I seek the simultaneous point of contact between the moment of appearance and the moment of disappearance: the “infra-thin” passage. The last panes produced in this way are resolutely positioned at the entrance to the exhibition space. It is the view seen “through” that I capture and freeze in place, but the photographs are taken at different times of the day. The passage of light is thus revealed as time passes from one photograph to the next.
“Barocker inframince” is a space and a moment to be generated with the help of many visual and sensory parameters that appear and disappear to underline the constraints of our own filter which like the filter of the classical vision machine implies a restrictive perspective. The real (surrounding) and fictitious space (of the initial image) is unfolded in time like “an opaque screen placed in front of ‘the passages'” (Walter Benjamin celebrating surrealism in “The Work of Passages”). My screen becomes transparent to reveal and generate new passages within it and to join the idea of the awakening that follows the dream necessary for any realisation. As with Goethe and Walter Benjamin, “devotion to the singular object” is that philosophy which is content with a kind of “gentle empiricism” and seeks the essence not behind things or beyond them, but rather in the things themselves (Rolf Tiedemann’s introduction to Walter Benjamin’s “Work of Passages”)

The pedestals that unfold and break up in the final sculpture offer a different, multi-entrance reading of spaces that are ultimately intertwined. The zig-zag line generated by the sculpture at the back of the room evokes the folds of the unconscious and the difficulty of accessing an illusionary image taken out of its context. As the visitor progresses through the exhibition, he or she discovers panes of glass that become disassociated and show themselves as entities. The images that double the exhibition space gradually disappear from the sculpture, just as the artist’s reflection disappears in the glass of the last autonomous pedestal. It is the baroque confrontation – of the multitude of points of view – with their disappearance that generates the perception of the process of permanent transformation of everything. By definition, impermanence does not stand still, but it can be highlighted through the apprehension of time passing in the movement of light and shadow. The use of the photographic negative in the last windows also reinforces this idea of impermanence. The solid lines, arranged by the central perspective, become empty lines. It is the structure of the architecture that disappears in favour of the natural light that gives the windows more transparency. In this way, the exterior seems to come closer to our objective. The further the visitor moves away from the back of the room (or from the opaque illusion-image) the more the image loses intensity and gains transparency. I have chosen to push this process to the limit of what is perceptible by also decreasing the intensity of the close-up landscape in order to leave more room for reality than for its representation. The last glass is autonomous, like a last membrane separating us from nature. This most transparent glass sketches my reflection, the artist’s, which also seems to disappear to merge with nature. Here, only the cracks and snippets of the image that has become infra-thin remind us of the filter that still separates us from reality.

I associate the filter of the glass with the lens of the camera and with that of human subjectivity. It is on this filter that our desires and illusions are deposited. It is therefore the choice of filter that determines our perception of the world and the way we interact with it. Images can opacify and obstruct our approach to the truth. By breaking the glass, it is (happy) disillusionment that intrudes into a deceptive fullness. It is a light that intrudes and stimulates consciousness. It is a hymn to the mysterious passage from being to nothingness.

The body, associated and confronted with its broken reflection, disappears revealing a porous structure that seeks to interact with the multitude of complex bodies and subjectivities. In the end, it is a question of avoiding the trap of the unilateral vision by proposing to mentally reconstruct images that have previously been broken up.

*Mimesis is evoked here as a way of exploring human reality and deepening our understanding of it. It is not a question of reproducing the appearance of reality, but of expressing the dynamics, the active relationship with a living reality.

Garance Arcadias, september 2022.

Photographic negatives (before printing on broken safety glass) 60/174 cm.. ©Garance Arcadias



Eine Ausstellung im Internationalen Künstlerhaus Villa Concordia

„Hauptsächlich arbeite ich direkt mit Fenstern von Orten, die Kunst beherbergen. Ich nehme das Glas aus dem Rahmen, sodass die Außenwelt in das nun durchlässig gewordene Innere dringen kann. Anschließend findet es eine neue Verwendung in meinen Skulpturen, die mit den Fenstern des Ausstellungsraums in Resonanz treten.
Die Skulptur für den Ausstellungsraum der Villa Concordia ist die Fortführung einer bedruckten Arbeit aus Glas, mit der ich in Marseille begonnen habe. In die großen ehemalige Kirchenfenster sind – mal mehr, mal weniger transparent – Fotografien Zwei unterschiedlicher „Räume“ („espaces“) eingearbeitet, was ein Werk im Werk („mise en abyme“) erzeugt.

In meiner Arbeit mache ich, gemäß Marcel Duchamps Konzept „infra-mince“ (in etwa „klitzeklein“), Spuren von Licht auf dem Glas sichtbar, nähere mich also dem Konzept von Mimese.

Mein Ursprungsbild, das am stärksten kontrastierte, ist am Ende des Ausstellungsraums und das transparenteste an der Schwelle zum Ausstellungsraum platziert.

Während ich durch den Ausstellungsraum gehe, vervollständige ich Aspekte der näheren Umgebung, die die Besuchenden vielleicht auf den ersten Blick nicht wahrnehmen, mit Fotografien: Der Fluss, der nur aus einem Blickwinkel des Ausstellungsraums zu sehen ist, oder auch Teile des barocken Gebäudes, das zu weit weg ist, um deutlich wahrgenommen zu werden. Diese Teile vom Triptychon konfrontieren und verlängern sich auf beiden Seiten der Klappenwand, die in der Realität geschlossen und auf dem Bild meines Triptychons geöffnet ist, das in der Mitte der Ausstellung positioniert ist.

Genau dieser Übergang steht im Zentrum meiner Arbeit:
Ich suche in meiner künstlerischen Arbeit den unmittelbaren Berührungspunkt zwischen dem Moment des Hervortretens und dem des Verschwindens, die „infra-mince“ Passage. Die letzten Fenster sind daher sehr bewusst am Eingang des Ausstellungsraums positioniert. Ich fange die Ansicht ein, die man erhält, wenn man durch die Werke hindurchblickt, und friere sie ein. Die Fotos wurden zu verschiedenen Tageszeiten aufgenommen, so offenbaren die Lichtspiele sich erst, während man von einem Foto zum anderen geht.
Die Zick-Zack-Linie, die vom Paravent im hinteren Teil des Raumes erzeugt wird, erinnert an die Verquerungen des Un(ter)bewussten und die Schwierigkeit, Zugang zu einem Illusionsbild zu bekommen, das aus dem Zusammenhang gerissen wurde. Während die Besuchenden durch die Ausstellung gehen, entdecken sie Fenster, die freistehend sind und sich als eigenständige Einheiten zeigen. Die Bilder, die den Ausstellungsraum verdoppeln, verschwinden allmählich aus der Skulptur, ebenso wie das Spiegelbild der Künstlerin in der Glasscheibe des letzten freistehenden Sockels verschwindet. Erst die barocke Konfrontation, also die der Vielzahl der Blickwinkel, ermöglicht mit deren Verschwinden, dass wir die permanente Transformation wahrnehmen. Per Definition bleibt das Nicht-Permanente nicht bestehen, aber es kann dadurch, dass wir Zeit wahrnehmen, die in der Bewegung von Schatten und Lichtern vergeht, hervorgehoben werden. Die Verwendung des fotografischen Negativs in den letzten Fenstern verstärkt ebenfalls diese Idee der Unbeständigkeit. Durchgezogene Linien, die durch die zentrale Perspektive wie angeordnet wirken, werden zu leeren Linien, zu Linien, die sich verlaufen. Die Struktur der Architektur verschwindet zugunsten des natürlichen Lichts, das die Fenster durchsichtiger scheinen lässt. So sieht es so aus, als nähere sich die Außenwelt unserer Kamera. Je weiter sich der Besuchende von der hinteren Seite des Ausstellungsraumes (oder von der undurchsichtigen Bildillusion) entfernt, desto mehr verliert das Bild an Intensität und wird transparenter.
Ich habe mich entschieden, diesen Prozess bis an die Grenze des Wahrnehmbaren zu treiben, indem ich auch die Intensität der näheren Umgebung immer weiter reduziert habe, um mehr Raum für die Realität als für deren Repräsentation zu lassen. Die letzte Scheibe nähert sich dem Fenster des Gebäudes , wie eine letzte Membran, die uns von der Natur trennt. Dieses gesprungene, durchsichtigste Glas zeichnet mein Spiegelbild, das der Künstlerin, nach; es scheint ebenfalls zu verschwinden, um mit der Natur zu verschmelzen. Hier erinnern uns nur die Bruchkanten und infra-mincen Bildschnipsel an den Filter, der uns immer noch von der Realität trennt.
Ich assoziiere den Filter aus Glas mit dem Objektiv der Kamera und dem der menschlichen Subjektivität. Auf diesem Filter lagern unsere Wünsche und Illusionen. Er bestimmt also die Art und Weise, wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen und mit ihr interagieren. Bilder können unsere Annäherung an die Wahrheit trüben und behindern. Durch das zerbrochene Glas dringt die (glückliche) Desillusionierung in unsere trügerische Erfülltheit. Es ist ein Licht, das in das Bewusstsein eindringt und es stimuliert. Es ist eine Hymne an den mysteriösen Übergang des Seins zum Nichts.


Une exposition à la Maison internationale des artistes “Villa Concordia”.

Je travaille principalement in situ avec des fenêtres de lieux qui accueillent de l’art. Je vide la fenêtre de son verre en l’ôtant de son châssis, laissant ainsi l’extérieur pénétrer à l’intérieur de l’espace devenu poreux. Le verre extrait est ensuite recyclé en sculptures qui vont résonner avec les fenêtres de l’espace d’exposition.

Le travail réalisé pour l’espace de la villa Concordia est la suite d’une sculpture en verre imprimée initiée à Marseille. Ces grands pans de verre présentent par transparence l’imbrication de photographies de différents espaces. 
Je génère une « mise en abyme » en dupliquant la réalité photographiée depuis différentes perspectives (une oeuvre dans l’oeuvre). Ces photographies offrent différentes perspectives sur la réalité, qu’elles dupliquent jusqu’à se confondre avec elle mais elles sont positionnées avec un léger décalage afin de contrarier notre rapport à la réalité. J’approche la notion de mimesis* en capturant les traces ” d’inframince ” (concept de finesse de perception développé par Marcel Duchamp) du passage de la lumière en négatif sur verre.
Une photographie de “devanture brisée” extraite de la série du même nom est à l’origine de ce travail qui aborde les thèmes du passage et de l’illusion. J’ai ainsi utilisé comme support les anciennes vitres sécurit du puit de lumière de l’église St Paul de Marseille. J’ai volontairement brisé ces vitres avant de les imprimer, afin de photographier ensuite l’ espace d’exposition au travers des fêlures. J’ai imprimé les 4 premières vitres en isolant les lignes de fêlure de mon image et en extrudant toujours davantage de la photographie sur chaque impression, afin de gagner en transparence. J’ai superposé sur les vitres suivantes les “fausses fêlures” de mon image aux vrais éclats provoqués et à leurs copies, et imprimées avec un léger décalage. 
J’ai intégré à cette première série les photographies de l’espace environnant prises au travers des fêlures comme si l’objectif de l’appareil photo était lui-même brisé. J’ai finalement prolongé cette sculpture d’une seconde mise en abyme à travers l’oeuvre réalisée dans l’espace de la Villa Concordia, générant ainsi une continuité entre l’espace d’une image, celui d’un lieu passé et celui de l’espace présent. 

Pour cette oeuvre J’ai travaillé en élargissant progressivement le champ de mes prises de vues. L’objectif de l’appareil photo, focalisé au départ sur l’image à décomposer, se déplace sur l’architecture de l’espace d’exposition puis sur l’ environnement extérieur aperçu au travers des fenêtres. C’est cette ouverture du champ de vision que je souligne dans l’espace de la villa Concordia, en cherchant à me rapprocher d’une nature qui pourrait prendre la place de sa représentation. Je procède ce faisant à l’encontre de l’iconographie du vitrail qui, de l’antiquité à la renaissance, avait une volonté didactique. Je quitte l’image en commençant par la décomposer pour présenter ses déflagrations et observer ce qui se passe de l’autre côté. Un vitrail est une composition décorative formée de pièces de verre coloré. Ces pièces sont assemblées par des baguettes de plomb depuis le début du Moyen-Âge. Le chemin de mes fêlures n’est pas sans rappeler celui des plombs qui sertissent les pièces de verre mais c’est au contraire par désaturation et éclatement que je procède. En décrochant symboliquement les vitres d’un espace (“take it with the view”), je prends mes distances avec l’univers de la peinture sur verre de fenêtres d’église pour questionner son dispositif de représentation.

C’est le regard et son déplacement qui m’intéressent ici. 
Le regard, c’est l’idée de la multiplication des points de vue que j’ai choisi de développer en trois dimensions grâce au médium de la photographie-sculpture. A travers cette oeuvre, je cherche le point de disparition de la représentation : celui de l’image illusion autant que celui de l’image de la réalité vue. Je brise des vitres afin de révéler leur structure. Ainsi devenus visibles, les verres accrochent une lumière différente sur les lignes des fêlures. L’appareil photo ne propose qu’une perspective figée et mono orientée. Pour libérer le sujet d’une vision réductrice, il faut briser l’objectif, créant une myriade d’angles de prises de vue. Je brise symboliquement le médium pour l’enrichir de cette multiplicité de prismes.

J’ai choisi de placer mon image source (la plus opaque) à la fin de l’espace d’exposition et de placer la plus transparente sur le seuil.
L’image opaque est une image-illusion, comme un témoin de nos désirs et de nos projections. Les reflets de cette photographie de devanture nous montrent ce qui n’est pas: « un après midi anodin sur le port de Marseille ». À bien l’observer, elle présente des germes de grincement en suspens.
La présence de trois rouages de symboliques différentes ( le volant de la machine – référence aux armes – , la grande roue du manège – registre ludique- et la forme de l’éclat dans la vitrine – la violence – ) évoque le caractère répétitif de l’histoire humaine orchestrée par une pensée androcentrique définie par l’égo d’ hommes conquérants; une pensée elle même opacifiée par leur propagande.

En progressant dans l’espace d’exposition, je complète l’absence du regard par des photographies d’un environnement proche qui nous échappe à première vue: le fleuve -perçu seulement depuis un angle de l’espace d’exposition- ainsi que des parties du bâtiment baroque- qui sont trop lointaines pour être clairement perçues. Ces parties du bâtiment sont situées de part et d’autre d’un mur coupe-feu avec des volets, qui est fermé dans la réalité et ouvert sur l’image de mon triptyque. Ce triptyque est positionné au centre de l’espace d’exposition afin de mettre l’accent sur le concept de transition qui est au cœur de mon travail.
C’est cette transition qui est au cœur de mon travail.
Je cherche dans ma pratique artistique le point de contact simultané entre le moment de l’apparition et celui de la disparition: le passage « inframince ». Les dernières vitres ainsi produites sont résolument positionnées à l’entrée de l’espace d’exposition. C’est la vue aperçue « au travers » que je capture et fige sur place, mais les photographies sont prises à différents instants de la journée. Le passage de la lumière est ainsi révélé avec le temps qui passe d’une photographie à une autre.
“Barocker inframince”, c’est un espace et un moment à générer à l’aide de nombreux paramètres visuels et sensoriels qui apparaissent et disparaissent pour souligner les contraintes de notre propre filtre qui comme le filtre de la machine de vision classique sous entend une perspective restrictive. L’espace réel (environnant) et fictif (de l’image initiale) est déplié dans le temps comme “un paravent opaque placé devant “les passages”(Walter Benjamin célébrant le surréalisme dans ” l’œuvre des passages ” ) Mon paravent devient transparent pour révéler et générer de nouveaux passages en son sein et rejoindre l’idée du réveil qui suit le rêve nécessaire à toute réalisation. Comme chez Goethe et Walter Benjamin, “la dévotion à l’objet singulier” est cette philosophie qui se contente d’une sorte “d’empirisme doux” et cherche l’essence non pas derrière les choses ou au-delà d’elles, mais au contraire dans les choses elles-mêmes (Introduction de Rolf Tiedemann à ” l’œuvre des passages ” de Walter Benjamin)

Les socles qui se déplient et se brisent dans la sculpture finale proposent une lecture différente et à plusieurs entrées d’espaces finalement imbriqués. La ligne en zig zag générée par le paravent du fond de la salle évoque les plis de l’inconscient et la difficulté d’accéder à une image illusion sortie de son contexte. En progressant dans l’exposition, le visiteur découvre des vitres qui se désolidarisent et se montrent comme des entités à part entière. Les images qui doublent l’espace d’exposition disparaissent progressivement de la sculpture comme le reflet de l’artiste disparaît dans la vitre du dernier socle autonome. C’est la confrontation baroque – de la multitude de points de vues – avec leur disparition qui permet de générer la perception du processus de transformation permanente de toute chose. Par définition, l’impermanence ne se fige pas mais elle peut être mise en exergue grâce à l’appréhension du temps qui passe dans le mouvement des ombres et des lumières. L’utilisation du négatif photographique dans les dernières vitres vient également renforcer cette idée d’impermanence. Les lignes pleines, agencées par la perspective centrale, deviennent des lignes vides. C’est la structure de l’architecture qui disparaît donc au profit de la lumière naturelle qui offre davantage de transparence aux vitres. Ce faisant, c’est l’extérieur qui semble se rapprocher de notre objectif. Plus le visiteur s’éloigne du fond de la salle (ou de l’image-illusion opaque) plus l’image perd en intensité et gagne en transparence. J’ai choisi de pousser ce processus à la limite du perceptible en diminuant également l’intensité du paysage rapproché afin de laisser davantage de place à la réalité qu’à sa représentation. La dernière vitre est positionnée à l’extérieur de l’espace d’exposition, collée à la vitre du bâtiment comme une dernière membrane nous séparant de la nature. Ce verre le plus transparent esquisse mon reflet, celui de l’artiste, qui semble également disparaître pour fusionner avec la nature. Ici, seules les fêlures et les bribes de l’ image devenue inframince nous rappellent le filtre qui nous sépare encore de la réalité.

J’associe le filtre du verre à l’objectif de l’appareil photographique et à celui de la subjectivité humaine. C’est sur ce filtre que viennent se déposer nos envies et nos illusions. C’est donc son choix qui détermine notre perception du monde et la manière dont nous interagissons avec. Les images peuvent opacifier et obstruer notre approche de la vérité. En brisant le verre, c’est la désillusion (heureuse) qui s’immisce dans une plénitude trompeuse. C’est une lumière qui s’immisce et qui stimule la conscience. C’est un hymne au passage mystérieux de l’être au néant.

Le corps, associé et confronté à son reflet brisé, disparaît en révélant une structure poreuse qui cherche à interagir avec la multitude de corps et de subjectivités complexes. Il s’ agit finalement d’éviter le piège de la vision unilatérale en posant la question proposée par Thomas Eller dans THE white male complex: How could we establish a (photographic) pictorial relation with the world without the totalistic approach of central perspective?

*la mimèsis est évoquée ici comme une façon d’explorer la réalité humaine et d’en approfondir la compréhension. Il ne s’agit pas de reproduire l’apparence du réel, mais d’exprimer la dynamique, la relation active avec une réalité vivante.